范娅萍

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范娅萍,女,1979 年出生于中国湖南[1]  ,毕业于广州美术学院,艺术硕士,心理学博士,现工作生活于北京。通过油画、装置、雕塑、水墨、影像、诗集等各种形式的作品来表达她对人性的思考。
中文名
范娅萍
国    籍
中国
出生地
湖南
毕业院校
广州美术学院北京师范大学
主要成就
中国具有代表性和国际发展潜力的当代优秀青年艺术家之一
代表作品
《天使的秘密花园》、《黑白性感》、《我不在我所在的空间》、《形象解码》 

范娅萍个人简介

3岁开始画画,临摹达芬奇和米开朗基罗等大师习作,7岁开始编辑并自己刻钢板和油墨印刷学生校报,这是最早接触版画的世界,在校同时随书法家父亲及各位国学大师学习中国传统文化,书法、水墨和工笔。12岁开始随师学习西方的哲学、古典音乐、文学和绘画,开始素描速写和创作等绘画基础训练,每天从早8点到晚12点,长达16小时以上。1995年开始学习中国传统茶艺,1998年开始修禅,始游历名山,遍访名师,创办自己的画室,居于山间,开始自由艺术家的生活。期间创作了“逝者如斯”和“少年”等系列。年少时锻炼了惊人的扎实的基本功,加上对哲学和心理学的研究,以及深厚的人文功底和艺术的修养,使得艺术家范娅萍对画面有着惊人的掌控力和创造力。
2000年应父亲要求考入美术学院,日夜在学校图书馆学习古代大师孤本古籍,在城市中开始接触社会,参与多家公益组织的公益和慈善教育事业,在山区支教时接触大量的被拐卖儿童、失学儿童和孤儿,作品创作进入困惑和迷茫阶段,创作反应男性成长的“坏男孩”和女性成长的“洛丽塔”系列。同时开始寄情于雕塑,创作娃娃的雕塑原型,2004年开始构思和制作娃娃大型装置空间作品。编剧并拍摄反应女性成长的摄影作品《十日谈》在欧洲美术馆展出。在美术学院任教期间,开始撰写艺术教育课程。2005年在工作室煤气中毒,开始思考生死之间的关系,创作“生死”和“信仰”的系列作品,并每年去世界各地参加灵修和禅修。2006年开始创作关于人类未来系列,创作反应和平和希望的作品,意图唤起人性对真善美的思考。2009年游历世界各地,进入艺术创作状态的高峰。回到现实社会,开始平和而积极的创作反应人性成熟思想的“老男孩”系列作品。2012年,为多家艺术媒体撰写专栏,以及筹备两本关于心理学和艺术的文字书籍。2013女儿樱桃诞生,开始创作了关于“生命”的“B超”“樱桃”等水墨、素描、油画系列作品。
爱好是最大的天才[2] 
改革开放初期,范娅萍出生于湖南一个艺术和教育世家,书香门第,
个人照片
个人照片 (5张)
父母给予她充分的自由和爱,尤其是书法家的父亲非常善于发掘孩子潜能,“爱好是最大的天才”,不断鼓励她做自己喜欢做的事,遍访名师。
三岁时,当教师的母亲教范娅萍用水墨画鱼,她一遍就学会了,一整下午一口气画了不同颜色和形态的鱼,画家堂哥大为惊讶,幼小的她首次品尝创作的喜悦,堂哥在家里留下不少名家画作,达芬奇、米开朗基罗、梵高、梁楷、八大山人……,这些大师作品让范娅萍沉迷其中,不断临摹;后来进专业班,第一次就去用碳棒画大卫,见到裸体脸不红心不跳,别人对着一只苹果画色彩时,她已经在小小的纸上描绘一堆苹果,气定神闲的像久经沙场战士,如此气势让老师很吃惊:胆大、泼辣的画风显出性格的大器,面对空白画布,勇气和心智和同龄人不可同日而语。
五岁时,学校放学总是最后一个回家,同学们都排队来找她画画,课本作业本都是她画的娃娃和各种设计的衣服,此时的她织毛衣,勾线和绣花样样都精通,这也是其后三十年一直在创作的有着东方美的娃娃的开始。小学四年级范娅萍获得全国优秀小学生作文一等奖,是全市唯一一位获奖者,她的作文从不打草稿,才思敏捷,这时候她开始被学校宣传部邀请主编学校校报和每周黑板报,在蜡纸上画图从不修改,黑板报上画圆从不需要工具辅助,能写能画的范娅萍很受同学们喜欢。
一位在当地颇有名气的画家喜欢范娅萍的灵气,亲自手把手的传授东西方文学、哲学、古典音乐……以苏格拉底的教育方式,在漫步中畅游精神家园,从温克尔曼到罗曼罗兰,从米开朗基罗到梵高,从柏拉图到尼采,从萨福诗集到人间词话……让范娅萍从小就涉猎极广,又有着修养的高度。老师对早慧的范娅萍说:你的画很大器,比男孩子还男孩子,但艺术是一辈子的事情! 天赋才华,尚需后天锤炼;因此,范娅萍在童年就接受了严格、正统、扎实的绘画基本功训练:上午人物素描,下午色彩,傍晚菜市场速写,晚上创作,一般都是十二点以后休息,有时候在巴赫音乐中练习石膏像到凌晨两三点。从十来岁开始背包先后走遍山山水水,贵州、云南、四川、湘西……有时一呆就是一个月。
初中时,范娅萍全身都是自己设计制作的衣服、包和帽子。画画、写文章,设计就是她上课以外的全部,顺便把心灵手巧的母亲发展成助理。其后她以优异成绩顺利升入重点高中,并一直坚持每天画画。毕业后在当地小有名气的她开始举办个人展览,也有自己的人生思考,选择了游历和写生做一名自由自在的艺术家。后来,父亲跟她商量:你几个哥哥都是北大哈佛的博士博士后了,要不,你还是考个大学吧?已经闲云野鹤两年了的范娅萍回答轻松自如:那就替你考呗,这个简单。当年她就选择了画风自由的广州美术学院,从小画油画的范娅萍却选择了版画,因为版种多可以学习新的东西,且版画要求扎实的功底,刻掉就没有修改的可能,很有新才挑战。
大学,她发现进入了完全不同的高节奏的都市生活,简单的课程完全不能满足她的求知欲望,对于有着深厚专业功底和文化素养的范娅萍来说,成绩自然不在话下,本科时是班长,学校一等奖学金获得者,念硕士时是全额奖学金,研究生会主席,金南粤优秀研究生,各种校外奖学金的获得者……从孩童时代开始,大人们就是范娅萍的朋友,与他们沟通与交流让范娅萍极大地拓宽视野,获得了许多间接人生经验。在大学,班里大大小小的事情交给她管理。同学们乐意请范娅萍看画,她修改的画基本都能获得高分,且不被老师看出修改的痕迹,后来她认为,模仿同学画风修改画不是真正的水平,每个人都是大师,有自己的个人体验,每种体验都独一无二,再不改画,只是指导。
腹有诗书气自华。在中学时代,范娅萍在老师的影响下涉猎东西方文学、哲学、古典音乐等,便有极高的鉴赏力和修养,为此后在大学的知识体系完善定下坐标,她贪婪地吸收各种知识营养,保持着惊人的阅读量,对过去所学进行更全面而有深度的研究和细化。她申请做大学图书馆管理员,从早上八点到晚上十点,她几乎把所有时间泡在图书馆。至今,学校图书馆里很多书的位置她仍然记忆准确,许多海外孤本是她在地上一堆堆中一本一本整理装订放上书架,特藏阅览、教师借书和古籍等学生看不到的书籍画册她都读了个遍,十年后回学校,图书馆的老师们依然对她赞口不绝,对她当年和书的故事记忆犹新。这个阶段也是范娅萍最高产的时候,创作灵感不同涌出,以至于来不及准备新的油画框时候,直接在旧的油画上画画,那个时期范娅萍的作品其实许多都是一张覆盖另一张。撰写的论文《符号的游历》、《东西方古典绘画同期性》、《西方古典音乐编年史》等等频频发表,获得国内外艺术专业许多奖项,是名名噪一时的艺术界才女。任研究生主席的她更是感召了二三十名学生,以在校外兼职赚的钱办了《当代艺术与设计》,每年举办几次展览、出版画册和做学术交流,研究生处长她说是“绝无仅有”的才女,毕业后就再没人可以接任了。在当时,这些怀着学术理想的同学们确实推广了一批作品和艺术家进入公众视野,此后十年证明了这一点。
范娅萍认为真正的好作品,是来自天性流露、自觉和顿悟,是画者体验、思考和学识等综合修养的表现。 画画就像一趟心灵的旅程,“那是对美的渴望,如琴声高处嘎然而止,静寂、蓬勃、生动、悠长……在那色彩的后面,是丰盛的旅程,是心灵的家园,是对生命的热爱。(范娅萍文)”年轻的范娅萍懂得作画如做人,“每个人来到这个世界,是为了修炼灵魂,从而完善自我,心智的成熟代表对诱惑的拒绝、情绪的控制和胸怀的历练。当外界的欲望逐渐剔除,烦恼也就没那么容易影响到内心的平静,才能更明白你想要做什么样的事情,去爱什么样的人,交什么样的朋友,开心、平和、自然就好,这时候艺术创作便更有哲学的韵味。”正所谓“手中无剑心中有剑”。
一次,范娅萍在三亚潜水,在深蓝的大海上体验着极致的孤独和空灵,“周围一切的那种浩浩荡荡、阔大奔逸已随着夜的降临隐没于浪涛中。幽蓝的夜空,某种东西忽然而去又飘然而来,放逐一般的。”(范娅萍散文笔记《逝去的五月》)海南行归来,回到喧嚣的广州,范娅萍专注的疯狂创作:在二十天时间里,她完成了六幅黑白木刻版画! 所有人都认为是“不可能的事情”,如此短时间令人匪夷所思。版画制作是非常复杂的过程,光是刻下了都是件超级累人的体力活,更不用说脑力,还有版画是刻掉就不能再补上去,要求每一笔都很精准,而范娅萍是不打草稿的,直接拿着刀在木板上刻画,版画有正反,刻出来和印出来是完全不同的正反两面,要求艺术家有很好的控制和平衡的能力。“这种令人欲泣的激情似乎已缚住了我的唇和双手,我已经无法停止手里的刻刀。” (范娅萍散文笔记《逝去的五月》),黑白木刻不仅是一场与艺术家体力和脑力的长跑,更是技艺与心智的战争。范娅萍更有生命的感悟“版画正如这人生的路,刻掉的没有后悔,没有添加更改,只留下刀走过痕迹,刀下的深浅厚薄,便是其后纸上的远近虚实。”除了刻画,她和写下散文诗集《逝去的五月》 ,天才总是如此不可思议的在创作作品,历史的偶然又如此的创造着奇迹。
范娅萍这组《床单》黑白木刻版画作品,获得了全国美院多次大奖,英国卡迪佛大学博士生导师朱迪·洛琪在看到范娅萍的版画作品《床单》系列时更评价“没想到在中国,一个如此年轻的女孩把黑白表达得如此性感”,后取名其木刻和诗歌作品集为“黑白性感”,“你是为艺术而生的,你的作品和年龄都让我惊讶!你穿越了时空和英国最古老的艺术在对话”,此后,爱才的导师更是介绍英国几个大学和博物馆收藏次系列作品;这年,范娅萍年仅23岁。
范娅萍认为,“一个人对自己情绪的掌控能力非常重要,如果能做到精确的平衡和控制,就战胜了自我。” 艺术需要“勇敢”,“许多时候艺术家不敢面对真实的自己与社会道德习俗相矛盾时所带来的恐慌,认识不到自己,更不敢挑战自己,是最可悲的事情。作品首先是打动自己,才能感染别人”,“忘我”才是大道、大师之境界! 其后,禅修的导师更是引领她进入更高的修行境界,后来在许多扶贫教育公益慈善的突出事迹,都是范娅萍怀着“出世心入世事”的更博大人生和社会理想去实践的。
范娅萍作品涉猎甚广,版画、油画、摄影、空间及装置艺术等,早在十几岁时候已经完成基本功训练的她对各种材质得心应手,她认为技法是其次,修养才是决定一个艺术家的高度,艺术家首先应该是个思想家,有自己的思想体系,不是画匠,思维的高度才能让艺术作品永恒。
早期的范娅萍钟情于老人和山水,受到中国传统绘画和文学影响,对商周青铜器、汉代画像砖、魏晋南北朝画等很是钟爱,在博物馆一看就是一整天,冻到手脚发木。早在十六七岁时候在贵州写生回来,创作的老人系列《逝者如斯》就很有哲学的深度,一入美术学院老师便为其举办个人展览便一举成名,。对老者和生命的描述,除了看到她积极深厚的造型功底,更看到小小年纪对哲学和生命的感悟,那份在艺术上的灵气和天赋在小小年纪就已经通过作品蓬勃而出。
热爱大自然的范娅萍每年去不同地方写生,每次一待就是一个月,带着睡袋住着木板屋,洗脸是要翻过两个山头,晚上头顶盘旋着老鹰听着山寨的对歌……“那些对大自然的记忆,不仅没有因为岁月而忘却,反而不停地在夜阑人静之时,如潮水占据所有潜意识的空间,自然流淌在画布上,心之所至。”(范娅萍文)评论家认为范娅萍的山水系列用色非常大胆、对比度强烈、超越传统,极具个人风格,圈内称之“范娅萍式”山水风格。这批作品在日本一经展出,就很受欢迎,每次带去的展览作品都全部售馨。在创作上用了大量的对比色,比如紫色、蓝色和柠檬黄,整个画面明快、鲜活,“表达的是内心对于自然最美好的向往,也许你在世界上找不到这个地方,但确又是我们每个人心灵想到达的地方。我的作品更愿意表达生活美好的一面。” (范娅萍文) 曾任卡塞尔文献展的策展人萨拉·马哈拉吉更称赞她是“心灵的扑手”,作品“既又着东方深厚传统文化,又具国际当代风格”。
范娅萍的少女成长系列,涉及油画、装置、影像等,成长青春期是每个人做最大的改变的时候,所有将来人生的选择都基于成长青春期的心里结构,用作品“为成长期的少女们点一盏温馨的灯”,“其实每个女孩子,内心都有一个梦幻般的、自由自在的王国,光明和乐观,黑暗和悲观共存。她们是其中的小公主,害怕成长,但又渴望变得成熟……”(范娅萍文)。她细腻敏感的捕捉到了成长中少女心灵独特的一面,惟妙惟肖地刻画出女孩子天使般面孔以及眼睛所蕴藏的丰富的内心世界,教她们画画做心理沟通,每个孩子的成长都是跨越几年的行为艺术作品,少女成长系列之《天使的秘密花园》、《天使》、《第一生理期》、《洛丽塔》等,被学术界认为既具有艺术价值又具有社会价值,被国内外重要收藏家收藏。
创作关于男性成长的“老男孩”系列用水墨、素描和油画不同方式表达,油画都是两米以上,演绎了男人的孤独、绝望、喜悦和激情,描述了男人和男人之间的友情,与父母孩子的亲情,对事业的渴望,对爱情的守望……其中《孤独》一经面试便获得巨大反响,许多策展人和评论家极大推崇这批作品,扎实而深厚的功底,巨大富有冲击的画面感,“画面冷峻而深邃,完全表达出男人的孤独、坚强和力量,主人公静静的坐在那边,嘴里叼着烟,画中气息直接而单纯,艺术家对描绘对象的静默观察,可谓是洞幽烛微,凸显了作者缜密的艺术态度和独特的艺术视角。”(《时尚芭莎》100件艺术作品推荐)
范娅萍创作已开始进入全盛时期。“现在基本上是一种 ‘冷静’的激情,创作的魅力就在于无法预测下一刻会呈现什么样的画面,面对灵魂里那个自己最真实的感受,如实呈现在作品里” 在采访中她说:“我的事业都是基于梦想而做的,我过去遇到最大的困难是选择,最后我坚持了内心最纯真的东西,诚实内心创作作品,面对市场的时候我从不随波逐流,而是创造范畴,引领潮流,创作属于自己灵魂的作品” ,如此,艺术作品才能永恒。
用艺术的方式传播爱
亲人的言传身教和家族基因遗传,让“大爱”深融入范娅萍的血液;大家族出生的奶奶是有着完美人格和智慧的女性,知性而优雅,对孩子的教育尤其崇尚自由,教育时又循循善诱;父亲是书法家,又妙笔华章,母亲是虔诚的佛教徒,传统贤妻良母,这些让范娅萍从小就耳濡目染。
范娅萍认为“美丽与善良是与生俱来的,但是需要去唤醒,用艺术这种美好而具有创造力的形式去激发孩子内心的真善美,比说教来的更有力量。” 十年树木,百年树人,多年来,年轻的艺术家范娅萍孜孜不倦地追求一份“真爱梦想”,父亲说她是“朴素的民族主义和爱国主义”,她生活的愿景是社会“和平、富足和博爱。”
2000年开始,范娅萍每年都拿出作品参加慈善拍卖,捐给各类慈善团体,其中包括中国法律援助基金会、上海真爱梦想、中国狮子会、广东教育基金会、广东恤孤扶贫助学促进会和广州慈善会等。一切缘起于一次慈善艺术拍卖中,她送的作品在不到两小时就被订走,举办方邀请再送四张,开展前一天又全被订完,从未想过以艺术家为职业的范娅萍在此刻不由有了成就感,作品既可以传播美传播爱,还有很好的价格,此后多次参加慈善拍卖,许多次都是单件作品价格最高或是全场累积捐赠金额最高,被陈侗老师封为“拍卖专业户”,时任民政司司长王振耀更称她“艺术天使”。范娅萍后被国际行家发现,并频繁邀请参加国际艺术展,成为这些国际艺术展上最年轻的中国艺术家。范娅萍由此与慈善结缘,在创作之余,积极投身公益慈善的社会事业,用艺术传播正能量。
在参与慈善活动中,范娅萍作为志愿者在一线奔走,在向社会呼吁过程中,发现这些孩子真正内心缺乏的不是物质那么简单,而是爱和教育。德国哲学家雅斯贝尔斯说,“教育是一个灵魂唤醒另一个灵魂”。受人以“鱼”,不如受人以“渔”。范娅萍认识到,只有通过艺术教育,以艺术来启迪孩子的心灵,通过心理学来矫治孩子在过往中受到的创伤,让孩子内心变得快乐、阳光、积极,对生活充满热爱,才是真正最大的“慈善”。秉承“博爱富足和谐”的社会理想的范娅萍,知行合一,致力于艺术及教育公益慈善事业。
2000年范娅萍开始青少年内心成长的创作,画中的模特来自于她的学生和朋友的孩子,在与孩子和家长的亲密沟通中,用艺术和心理学的方式研究少年青春期成长问题,十几年的积累,一个个案例形成了艺术体验式系列教育课程,在美术学院教书期间,架构了一个庞大而完整的艺术体验式教育体系,囊括了哲学、心理学、教育学和管理学等范畴。理论和实践相结合,通过视觉、触觉、听觉、音乐、绘画和文学等方面,来锻炼孩子的自我表达、合作沟通和解决问题的能力,从而形成独立的自我意识,在将来能更好的规划人生。在与孩子的沟通中,她从不规避现实中的敏感问题,“现在的网络很庞杂,很多小朋友的价值观都受到了影响,我觉得既然这样,不如坦然的去面对,用一些有趣的、正确的方式去呈现艺术和知识的美丽,满足孩子的好奇心,这才是智慧的教育。”所以,她常常会跟小学生谈现实生活的话题,并通过不同的方式让孩子去理解关于爱、生死、时间、金钱、心态等人生哲学。例如通过关于金钱的绘画课程,可以看到孩子对于金钱的创意和理解,“我希望通过这个课程,让他们很中立的去看待财富,并懂得如何去面对、管理和分享。”
范娅萍认为“绘画是儿童心理宣泄的一种方式,能帮助孩子快速简单明了的认识到自身的特质,并挖掘这种潜能,让孩子成为最好的自己”通过写生、鉴赏、描、雕塑、手工、色彩和综合材料等形式,呈现具体的艺术作品,既让孩子了解艺术史、文化史、提高修养,掌握学习方法又让孩子和家长相互了解,相互沟通,锻炼人际关系,每一课程中融入团队沟通、自我价值创造、时间管理等心理学和行为学的游戏,锻炼孩子的表现力、沟通力、思考力和创造力。课程最大的价值是引发了孩子对生命的思考,让身心灵都健康的成长。
范娅萍认为教育是改变一个人的最重要的因素,而现代教育最核心的问题就在于沟通分享。带着这份社会理想,她多次受邀参与国际教育机构、教育部、文化部、美术馆、美术学院教育和艺术的交流讲座,传播爱,分享智慧。 这个孩子一般的艺术家是快乐的,又是智慧的,她的快乐天真而纯粹,又有着在岁月中沉淀出来的通透与豁达,而正是这份纯粹与通透成就了她,成就了她的生活,亦成就了她的梦想,让她在艺术的道路上越走越远。她对于艺术的梦想正像王国维先生所说,“衣带渐宽终不悔,为伊消得人憔悴!”而一个转身,那个斑斓的梦想却已在“那灯火阑珊处”。连续三年被福布斯中文版评为“中国慈善基金榜”榜首的上海真爱梦想慈善基金会主席刘蔓女士由衷地赞美范娅萍说,“您是非常难得的有理想主义情怀的艺术家。” 著名艺术评论家杨小彦老师在评价范娅萍艺术作品时肯定的“历史会证明这一点”。

范娅萍主要个展

2015年4月2日-4月25日“形象解码”,[3]  今日美术馆,中国北京;
2015年3月10日-4月7日“游园惊梦”,今日画廊,中国北京;
2015年1月17日-3月6日“黑白性感”,今日画廊,中国北京;
2014年3月12日-4月20日“我不在我所在的空间”个人作品展,中国北京;
2013年“梦境”,北京万荷美术馆,中国北京;
2011“梦想中的ANGEL”个人作品展,中国工商银行私人银行,中国广州;
“纯真年代”个人作品展,中国工商银行私人银行,中国广州;
“天使的秘密花园”个人作品展,广东美术馆当代馆,中国广州。

范娅萍主要联展

2014年“天使娃娃”,美国迈阿密海滩SCOPE艺术博览会;[4] 
2013年“放大”,第55届威尼斯双年展,意大利威尼斯莫拉宫殿;
2012年“时尚之巅”,悦美术馆,中国北京
2009年“和”,亚洲美术馆,日本福冈;
2009年“中日韩印尼艺术交流展”,海岸通画廊,CASO,日本大阪;
2008年“亚洲厚音”,中国和曦艺术馆,中国广州;
2007年“地平线”,M.A.K当代艺术馆,美国洛杉矶;
2007年“新青年艺术大展”,广东美术馆,中国广州;
2006年“亚洲女性艺术邀请展”,日本横滨;
2006年“都市状态——中国当代艺术展”,中国文化部,爱沙尼亚塔林美术馆;
2006年“广东美协50周年美术作品大展”,中国广东美术馆,中国广州;
2005年“广东省版画展”,中国广东艺术博物院,中国广州;
2004年“庆祝建国55周年广东省美术作品展”,广东美术馆,中国广州。

范娅萍重点收藏

作品主要被今日美术馆、英国卡迪佛大学、中国建设银行、法国领事馆、瑞士领事馆、广东美术馆等机构和重要个人收藏家收藏。

范娅萍作品发表与出版

论文、油画、版画作品多次发表于
作品选
作品选 (5张)
《芭莎艺术》、《东方艺术大家》、《世界艺术》、《艺术界》、《艺术典藏》、《新视觉》、《艺术财经》、《art概》、《艺术国际》、《中国版画》、《艺术》、《纽约艺术》、《美术向导》、《美苑》、《美术》、《美术界》、《当代艺术》、《广州文艺》等美术刊物。等专业刊物。
同时出版作品集有:《黑白感性》《天使的秘密花园》《我不在我所在的空间》《形象解码》《研究的意义》《超级英雄》等作品和学术专著。

范娅萍艺术评述

生命体验与艺术困境--关于范娅萍的绘画(张奇开)[5] 
无需更多地去了解艺术家范娅萍,如果有机会走进她的工作室,那里的气氛就已经提供了一个能清晰描述她的视觉场景。
近800平米的两层楼工作室因为她夜以继日的工作状态而使它显得凌乱无序、气焰嚣张,经常令来访者感到难有插足之地。满眼都是堆积如山的画框、画布、画册、画笔、颜料,书籍,以及完成和未完成的装置、雕塑和架上绘画作品。在这里,能看得出艺术家对艺术无法克制的炽热尺度;在这里,到处都张扬着生命借助艺术在加速膨胀的气息;在这里,是一个没有机器轰鸣的、罕见的生产现场。这一切几乎剧透了这位劳动者在人生舞台上正在扮演一个孜孜不倦、努力工作至疯狂的艺术家的角色。这位劳动者被朋友们戏称为“劳模”。作为“模范”她并不是一种可供参考的、公共化的、值得推崇的范本。因为她每天的工作时间长度和强度会遭到任何一个文明国家的劳动法明文禁止和惩处。但法律又怎样能限定这样一种生存态度:劳作是一种生命需求与享乐。
上个世纪伊始的1901年,一位法国画家极其厌烦甜美的印象派,为了不与之同流合污,他把自己的绘画称为“表现主义”。也许在无意之间,这位画家为一个伟大的文化艺术运动命名之后,便躲避在滚滚红尘之中,再也不显露他的身影,深藏功与名。
1905年在德国的德累斯顿,一群年轻艺术家成立了表现主义绘画团体——桥社。然后在奥地利、法兰西、挪威、瑞典,俄罗斯,表现主义成了艺术革命的代名词。不仅仅是一群画家把“表现主义”冠名在自己的画风之上,许许多多音乐、电影、建筑、诗歌、小说、戏剧等领域的先锋斗士也发现他们的文化基因与“表现主义”反叛血统一脉相承,纷纷投靠在它的麾下。于是,一场文化史上最声势浩大的运动汹涌而来,一浪接着一浪,起承转合,高低跌宕,它的冲击力一直持续到今天。
表现主义绘画强调的是艺术家对世界的主观感受,并力图把这些感受通过情绪化的方式加以呈现;而它借助的往往是对现实的扭曲态度和悲怆情怀。从蒙克(EdvardMunch)到凯尔希纳(ErnstKirchner),到康定斯基(VasilyKandinsky),到科科西卡(oskarkokoschka),到埃贡·席勒(EgonSchiele),到弗洛伊德(LucianFreud),到培根(FrancisBacon)……一条完美的直线把这些举世公认的大师们连接在一起,构成了美术史上与理性主义绘画并列的两重道路。
上个世纪20年代超现实主义崛起,大有对一切艺术流派都赶尽杀绝的气势。在不可一世的超现实主义的威逼下,表现主义暂时逃遁得无影无踪,但它却不动声色地物色到了忠诚的代理人,悄悄把自己的主张藏匿在了新的霸权艺术样式之中。米罗(JoanMiró)恩斯特(MaxErnst)马宋(AnderMasson)这几位超现实主义的重要代表不自觉地把表现主义精神演变成了“自动主义”,并传给了美国继承人波洛克(JacksonPollock)、马瑟韦尔、德·库宁(WillemDeKooning),于是抽象表现主义在美国横空出世。抽象表现主义作为表现主义嫡亲后裔,几乎横扫了西方。纽约正是有了抽象表现主义,它才能把法国巴黎作为世界艺术中心的地位抢夺过来,攫为己有。
斗转星移,风水轮回,波普艺术在英国发端,美国人却以不明觉厉之势把英国人没办法申请专利的艺术发明剽窃了,于是波普艺术最后成了美国文化的象征,在短时间内它就涵盖了西方世界目击所至的范围。它所派生的一个支系——极简主义立即宣布了从它之后绘画必然终结。
西方架上艺术在一片绝望声中已经作好准备接受寿终正寝的命运。传奇再次出现,曾经的表现主义大本营——德国,在1968年的学生运动之后开始酝酿一次新的绘画暴动。
20世纪70年代末80年代初德国正式推出了一个新的架上艺术流派——新表现主义。
毫不避嫌,新表现主义完全继承了20世纪初的表现主义衣钵,从用笔、色彩、基调、意向、表达手段对表现主义都亦步亦趋。所不同的是,新表现主义一反现代主义只注重艺术自身的规律和光色体及形式变迁,把”社会雕塑"的观念引入画面,让后现代艺术为绘画让出了一个显赫位置。新表现主义的崛起使整个西方艺术界的目光再次转向了德国,继波伊斯(JosephBeuys)之后,它又一次证明了德国人对所处时代密集性的提问的视觉机智。新表现主义并非是一次虔诚的回归,而是一次张狂的跳跃,它把自己设为一个终端,解体了艺术史以流派为特征的传统。
1982年,北京中国美术馆正在举行美国石油大亨的《韩默藏画展》。展场中人潮汹涌是那个年代人们渴慕进行自我精神康复的主要特征之一。《韩默藏画展》也不例外,它是中国向世界开放以来第一个全面介绍西方绘画的展览,影响巨大。与此同时,北京民族文化宫也正在举办《德国表现主义》画展。这里门可雀罗,与《韩默藏画展》的空前盛况形成了巨大反差。因为很少人知道什么是表现主义。
那时候表现主义是一个甚至不为中国艺术家熟知的概念。但奇怪的是,早在1979年的北京“星星”画展上,表现主义的表达方法就已经显形了。紧接着的1980年,在重庆“野草”画展中也有类似于表现主义的作品。由此可以相信,艺术家需要像表现主义那样自我表达是一种接近天性的特质。
范娅萍的作品使你无法立即判断它们的文化归属,它们没有明确的中国身份,没有性别差异,只有狂野的笔触,纷乱的色彩和咄咄逼人的气势。她仿佛是表现主义在遥远的东方潜伏着的一个的同伙。早在学生时代,范娅萍就与表现主义传统有了自发的认同感,她的版画系列《床单》就是吸取了大量的表现主义精神的一个例证。范娅萍对版画语言的驾驭可以称得上是炉火纯青,这是她学版画专业的优秀成绩所致。无可置疑,她的技法深受德国女性版画家珂勒惠支(KaetheKollwitz)的影响,画面中的粗犷线条,强烈的黑白对比,忽略细节的力度等等这些版画独有的语言特征是对大师艺术神情的一种崇敬式皈依。边界模糊的当代性的人文关注布满了她的画面,她使用了与珂勒惠支同样恢弘的刻划手法,但不相同的是,她偏重的不是历史性宏大叙事,而是瞩目于社会个体的微叙事生存现状。
中国现当代艺术如果可以确定发生在1979年的话,至今已经有36年了。在这30多年时间里它把西方150年的现当代美术史的所有流派和样式都重新演练了一遍。在中国,所谓的当代艺术的典型图式也许都能找到相应的西方蓝本。但有一点却可以肯定,那就是中国艺术家们无论怎样学习模仿,都会在有意无意间把自己的文化归属强化出来。也就是说,中国人的背景特征决定了一位中国艺术家在中国甚至在西方的有效性。后现代艺术一直强调问题意识。30多年来,中国当代艺术与社会变迁一路同行,它深刻地洞悉了这个激荡的时代所面临的最突出的本土问题。于是,由视觉的形式来呈现这些问题成了艺术家们既警示社会又成就自己的手段。但在今天,我们不得不注意一个极其有趣的现象:如果我们置身在年轻艺术家的展览现场,稍许留意,就会发现,他们的作品有一个明确的倾向就是:去身份化。我们再也难以看到他们的画面特意强调自己的文化身份或非文化身份。他们忽视这个特征就是预示着一种转型,这个变化也是横在老牌艺术家与互联网时代艺术家之间的差距。
踩在全球平行化视觉经验的节奏上是范娅萍作品对她自己的概括。她的作品没有任何成长背景可考据,她不依附于任何一种历史归属,她就是她。
1960年代中期,西方架上艺术面临彻底消失的境遇,造型艺术中的形象、色彩、空间、结构等基本要素彻底被遗弃,无论是生活废品或荒谬的行动,只要冠上艺术之名就可以招摇过市,艺术只强调艺术作品背后的思想与态度。反叙事性被无度引入,故意让所有人“不懂”成了学术高度的标准,而“观念”更是一切艺术的出发点。绘画作为存在了上万年的行业危在旦夕,所幸的是画家们也掌握了“观念”这个每一位号称自己置身当代的艺术家必备的万能钥匙,最后才跻身进了后现代艺术飞驰的时间机器。因此,“观念”成了自后现代艺术发生以来,所有艺术家安生立命的法宝。但时至今日,难道我们不觉得“观念”已经被过度消费,早就越过了有效的临界点,百无聊赖,失效在即?
更年轻的艺术家们已经开始放弃观念艺术的生产激情,他们的图像系统又仿佛回到最古老的提问:什么是艺术的本质?
这是一个难以回答的问题。范娅萍就是艺术家中对这个问题纠缠不放的一位。她完全符合年轻一代艺术家对绘画元素的解读,试图把半个多世纪以来已经放弃了的语言实践又重新捡拾回来。今日正在转型的艺术图像仿佛在不断重申:只有在遵循艺术自身规律的前提下,才有可能谈及“艺术本质”这个问题。1917年,杜尚(MarcelDuchamp)把一个小便池提交到美国泛艺术家协会年展,其用意正是向那些提出“人人都是艺术家”的空头理论家的一个诘问:如果人人都是艺术家,那么一个小便池也能成为艺术吗?杜尚意在告诉世界,并非人人都是艺术家,也并非什么都可以成为艺术。但半个世纪以来艺术史故意误读了杜尚的用意,故意使小便池变为了艺术,彻底否认了艺术本身具有的特性。在德语中,“艺术”(Kunst)是由“能”(koennen)演变而成,它强调的是能力、可能与技能。在艺术革命时代,用非技能的手段,简单粗暴地对已经腐朽的艺术规则进行破坏与颠覆,重建新的价值系统,无可非议。诸如克兰因(YvesKlein)的《飞向虚空》,诸如曼佐尼(PieroManzoni)的《艺术家的粪便》,诸如波伊斯的《如何向一只死兔子解释绘画》。他们称得上是艺术旧制度的埋葬者,是革命先驱,他们采用的手段是非常的,是过激的,是不可复制的。但恰恰在国际艺术的近50年推进过程中,太多的艺术家们就正好是在山寨这些被美术史认定了的大师们的模式,今天仍然有那么多“艺术家”们同语反复地在做着如此低能的游戏,弱智不堪,节操毫无。
范娅萍,或者说她这一代人,已经明确地、集体有意识地用自己的艺术对此表示了严肃的怀疑。不单是绘画,范娅萍涉及的诸多艺术样式——版画、水墨、油画、雕塑,人偶,无不期盼把“能力”放在一个十分瞩目的位置。技能是人类发展的不可或缺的伟大传承,尽管它仍然可能会在所谓进步历程中再次被颠覆,被破坏,被扬弃。但今天的范娅萍与她的同时代人是否已经在他们前辈的出发地绕了一个360度的圆形运动后,又回到了起点?如果答案是肯定的,那么,这个起点是一种螺旋形的上升运动,是新的艺术规则发出的修复与重建的信号。
把一个生命个体作为在绘画重心,是范娅萍近年来多少有点变态的艺术行为。她在画布上翻来覆去涂抹一个相同的对象,这近似于患有程度不轻的强迫症,而艺术家的这种偏执也许与世俗价值不合适宜,却又恰恰因为有了这种偏执而成就他们的艺术。可不可以说,艺术就是某种偏执狂的视觉外化?值得提醒的是,作为女性艺术家范娅萍的偏执并非是我们通常误解的女权主义的偏执,她似乎在有意回避女权的概念,在她的图画序列里的确没有声张某种权力的倾向。
200多年前人类提出了人权的概念,但在这个概念内涵中并不包括女性的权力。历史发展往往有一种平行线索,1791年的法国大革命正如火如荼,女性革命家奥兰普·德古热(OlympedeGouges)发表《女权宣言》,拉开了女性主义运动的序幕。两年后,她被她曾经的男性战友们送上了断头台。女权主义发起人的生命结束了,所幸的是她的事业却在200年的历史中从来就没有间断过。女性主义在19世纪渐渐转变为组织性的社会运动,它的活动几乎遍及了所有领域。而女性主义批评,却一直处于缺席状态。20世纪初,英国女作家弗吉尼亚·伍尔芙(VirginiaWoolf)敏感到了在所有主流批评话语里完全没有女性的声音。即便是文学作品中的女性也是为男性世界的衡量模式塑造出来的,缺乏独立的态度。法国存在主义哲学家让·保尔·萨特(Jean-PaulSartre)的伴侣、女性主义思想家西蒙娜·德·波伏娃(SimonedeBeauvoir)在她的著作《第二性》的开篇就表明了一种令人惊异的观点:女性不是天生的,而是后天塑造的。这些对父权制话语的置疑成为了整个人权运动的重要内容。上个世纪60年代开始,后现代女性主义理论家开始活跃于学术圈,福柯成了她们推崇直备至的精神导师。
正是后女权主义理论的蓬勃发展,使女权主义行动涉及了几乎所有的文化层面,而艺术界又是介入最深的领域之一。美国的朱迪·芝加哥(JudyChicago),是典型的女权主义艺术家,她为了彰显她的鲜明立场,甚至连父姓和夫姓都刻意抛弃,以自己的出生地芝加哥为姓,以此消除男权社会强加给自己的姓氏。芝加哥从1974年至1979年,历时六年,完成了400余人参与的作品《晚宴》。这件作品是一个等边三角形装置。在她的理解中,三角形意味着女性,而平等却只能用等边长度来象征。她邀请了从原始女神到乔治亚·奥基弗(GeorgiaO‘Keeffe)等39位杰出女性共进晚餐。另外999个杰出女性的名字又书写在白色陶瓷地板中。这种诡异的表达方式无疑为女性主义艺术设定了一个高标准的范式。
除此之外,日本的小野洋子、美国的辛迪·谢尔曼(CindySherman)、法国的布尔乔亚(LouiseBourgeois)、南斯拉夫的阿布拉莫维奇(MarinaAbramovic)等女性艺术家都采用过非常异样的手段来表明过自己激烈的女权主义观点。
在一次访谈中,涉及女权主义,范娅萍却回答说:“其实我觉得,首先我们是人,男人和女人生而平等,他们都具有思想,有独立的灵魂,自由的精神,只是有性别之分而已。我考虑问题会从本源出发,我不会从你刚才提到的某些女性主义者的角度去切入,因为当你要去反抗的时候,越是表现得很傲慢,其实是内心最自卑的时候,反而证明你很弱小,这是心理学很简单的逻辑……”
的确如此,在范娅萍的所有作品中都看不到一个弱势的女性向男性社会发出的呼喊与对抗,她总是平心静气的用一种既不是自持清高,又不是喋喋不休的平和态度来对待,而她的作品透露出来的气势却又掩盖不住她要与男性世界一争高低的野心。
范娅萍的艺术继承了表现主义传统,却又试图在画面结构上对其进行篡改;她把自己跻身进当下艺术视为一生的愿景,却又摈弃了“观念”这个今日艺术的中心话语;她把许多女性艺术家对权力的迷恋让渡出来,却又希望通过绘画手段去彰显人的普遍的权力。范娅萍在从事着由必然王国走向自由王国的探险;她想遵循规则又打破规则,试图调整所谓艺术江湖划定的界限,这将成为她在艺术前景中要遭遇无尽磨砺的理想。
作为一个艺术家,无论是生理年龄、心理历程或者艺术面貌,范娅萍都是那么的年轻,无尽活力;她犹如一个充满能量的智能机器,怀着人的激情,兴致勃勃地朝向未来。假如允许把艺术比喻成一场竞赛的话,她已经进入了良好的竞技状态。令人羡慕的是,无论路途有多么遥远,她都会一步一步去完成艰难的丈量。可以肯定的是,在这个过程中,她在享受生命体验的同时也会去挑战艺术必将出现的困境。

范娅萍主要作品

范娅萍《天使的秘密花园》

中国当代女性艺术家的作品,往往可以看作是一面“百变魔镜”——有时候,它是一面平光镜,照射出艺术家的音容笑貌;有时候,它是一面显微镜,把某些貌似微不足道的话题加以
天使的秘密花园
天使的秘密花园 (3张)
推广和延伸;有时候,它是一面凸凹镜,不断地调整画面的视角;有时候,它甚至是一面多姿多彩的哈哈镜,带给你充满想像的幽默与欢快;有时候,它还可以是一个三棱镜,把平淡的自然光源,分解成红、橙、黄、绿、青、蓝、紫的多样世界……通过这面镜子,可以看到女性艺术家的外表,亦可以感受到女性艺术家的心灵。那些诗一般的、梦一般的、音乐一般的炫彩华章,在眼前摇晃,在耳边回荡,在空气中传播,洋溢着挥之不去的魅力。
范娅萍的作品,就是具有这样的梦的特质。如果说,女人天生爱做梦,那么,范娅萍应该算作是女人中的女人。对现实生活的超越,决定了范娅萍的画面上,既有一番青春少女在自然年龄阶段的芬芳气息,更有那种只有把自己完全沉浸在艺术氛围之中才有可能感悟到的精神意蕴。花一般的年纪、花一般的心灵、花一般的梦幻、花一般的想象力,贯穿在范娅萍的创作过程中,叫人觉得范娅萍的作品,似乎并非一定如此、却又不得不如此。言外之意,在那些跟范娅萍的现实生活有着千丝万缕的联系,同时又不完全是现实生活之翻版的作品中,观众感受更多的是范娅萍在画面上寄寓的“梦”一样的情怀。
范娅萍的梦,是盗梦。作为女性艺术家,范娅萍在她为自己编织的“盗梦空间”里,用女性特有的矜持,向观众展示着款款的步履、轻轻的诗意。范娅萍的梦,是寻梦。是从没有梦的地方,开始一个梦。是从遗失梦的地方,呼唤梦。是从发现梦的地方,向梦发出真诚的邀约。范娅萍的梦,也是追梦。那种飘飘荡荡的精神状态,那种不拘一格的心灵感应,那种只有在梦的状态中才能说清楚、同时又永远都说不清楚的艺术的感觉,给范娅萍的艺术空间,带来了别样的氛围。
如果说,艺术是一种自觉的选择。毋宁说,艺术是精神品质的自然流露。在范娅萍的艺术作品中,看到的正是这样的情况。有时候,她可以是一个真实的范娅萍;有时候,她也可以是虚构的、夸张的、想像的、延伸的、变化的、改写的、演绎的……在亦真亦幻的过程中,我们看到,有一个盗梦、寻梦并追梦的范娅萍。

范娅萍《洛丽塔》

范娅萍的作品主要是以架上油画的方式和观念摄影来呈现的。她的油画“女人
洛丽塔
洛丽塔 (4张)
”和观念摄影“十日谈”系列作品是将重点描述在都市现代女性在社会性中的认同上,她试图以虚拟的戏剧化场景里是否发现属于自已真实的内心世界。在她的作品中经常出现一种让人能感受到的冷艳、迷乱、疏离、孤独、妖娆、暧昧的图像符号,她用独有的女性身份和敏锐的角度作出了判断。
范娅萍正在创作中力求寻找女性艺术和当代艺术的某种关联,希望通过女性艺术的方式在现实社会的状态下,为女性找到某种答案。亚瑟·丹图(Arthur Danto)在1980年末的调查和著述中,多少惊讶的发现“若要选出这特定时期中最有革新性的艺术家——其中大多数会是女性”。女性主义艺术一直以来也是当代艺术里探求的问题,我同样也愿范娅萍在当代艺术的实验中以女性的身份为女性艺术结合当代艺术表现的基点上找出更新的创作理由。

范娅萍《第一生理期》

初看范娅萍连续二十来张的“成长系列”时,颇感惊讶。惊讶的倒不是她离开自己的
第一生理期
第一生理期 (3张)
版画专业闯到油画领域的胆量,也不在于作品中所表现出来的技法上的可贵的探索,而在于主题,对于女性成长的隐蔽的一面的持续关注。要知道,这一主题,在当代艺术领域,就我所知,似乎还真的少有人去表达。
我马上想到了佛洛依德一本有趣的书,叫《爱情心理学》。这本书的中译本上世纪七十年代末从台湾传入大陆时,题目曾经翻译为《少女心理学》。书名和内容倒也匹配,因为佛洛依德谈的确实是青春期女性所面临的诸多问题。据我所知,这本书出版时很引起了一些非议,因为公开讨论少女心理,在男权社会中多少有些犯忌。尤其是揭开其中的面纱,冲淡其中的神秘,肯定会让许多男性感到兴味索然,失去窥视女性的初始快感。
当然,佛洛依德和女性主义没有关系,相反,他一直都是男权的坚定维护者,并把这种权力视为天然,认为是建构人类文明的必备基础。也正因为他的这个立场,其理论一直受到女性主义者的重点批判。

范娅萍《床单》

对黑白木刻的回眸始于《床单》这套作品。《床单》的神秘隐喻和多重信息则使我们感受到一种精神的持续高潮。作者以多种粗率却又精致的刻印肌理传递给我们某种有序的悸动与颤抖,
床单
床单 (4张)
画面中不无怪诞的主体形象随着这些肌理和线条的扭曲面翻转……这些奇异而有力的符号浸染着被抑制的激情,似乎告诉我们作者一直在寻找某种纯粹而完整的表达,但这种无望的追逐又总是折磨人的无奈渴望而已,就象雨水总填不满湖泊。
较之自然的真实和社会的真实,心灵的真实排除了表面的因素,因而更接近本质。在黑白木刻中,自然世界的景象在黑白两色中被消解并被组合成了意念中的形式,浮华世界被浓缩成了单纯的黑白,凝聚的幻象代替了靡丽的现实,这是情致和意念回归到本真质朴状态的过程,也是前文所引王原祁之“设色之法”的精义。而删繁就简,运用概括精炼、简约平明的语言形式去再现丰富多彩的内心景观及传达纯净抽象的观念,对于黑白木刻而言,具有与生俱来的优势。在这种既浪漫又凝重的黑白的意境面前,有谁可以拒绝它的诱惑呢?作者的形式叙述和读者的诠释感受在这里都又如弗洛伊德笔下梦呓者的自言自语,尽管它们看起来支离破碎,但是,艺术作品的魅力便在于此,在作品完成后所激起的涟漪还能继续泛漾开来。

范娅萍《 十日谈》

《十日谈》这套影像创作是关于女性艺术的探索,女性艺术作为一种艺术思潮和艺术现象,已静悄悄地登上艺术史的舞台并将在艺术史上抹上浓重的一笔,1998年在北京举办的“世纪·女性”艺术展就是一个标志性的事件。而在国际上女性艺术一直是艺术家们所热衷的创作题材。
这几年我一直在研究符号学和图像学在图式中表达的意义,《十日谈》这套作品正是一个符号的载体,符号学在20世纪60年代后的欧洲学术界风靡一时,术语“符号学”源于希腊语“semeion”,意指“sign”(记号、符号、信号、姿势)。符号能够指代存在或不存在的事和物。符号学的研究范围比其他分析模式宽泛得多,因为它研究的是社会内部的所有符号的存在和生命。中国古代艺术是图腾的集合体幻化出来,对中华民族影响却是历史的植被所无法覆盖的。这种符号的象征也是超越的心灵国界而存在的。
《十日谈》是一个关于人类“原罪”的一个故事,十个章节。这套作品通过符号、象征、隐喻等手法,糅合了中西的审美观念,通过当下最受欧美、日本和中国少女喜爱的洛丽塔风格的服饰的展示;当今在网络游戏中成长起来的卡通一代游戏厅的描述;沙面这一最具历史代表的殖民建筑文化的阐述;在华丽面具下成长的新一代的困惑心灵的揭示等等,通过这一系列人们习以为常的图像,但又难以表达的场景,展示了当代女孩的不同精神层面以及生存状态,那种既现代又古典,既稚嫩又成熟,既性感又纯洁,既遐想又禁锢,既脆弱又坚强,既怀疑又执着,近在咫尺又遥不可及的感受和思考。从而也完成符号和图像在创作中的表征功能。

范娅萍《angel doll》

范娅萍“angel doll”(《天使娃娃》)一经展出,便引起艺术界和收藏界的高度关注。娃娃是历时数年制作的活动雕塑,基于童年梦想而创作。中国有五千年深厚传统文化,在历史里曾经领先世界,而80年代成长的一代从小被美国和日本文化冲击,被各种动漫电视电影包围,所以,范娅萍立志创作具有东方美的娃娃,来作为文化的载体,也作为现代文明下孤独的孩子的心灵伴侣。天使娃娃千变的造型,精致的妆容和精美的服装,关节如同真人般活动自如。巴掌大的娃娃,可是细到眼角、睫毛、嘴角、指甲和乳头,每一个娃娃都是独一无二的妆容,色彩变化细致入微,表情丰富多彩,是娃娃中的艺术精品。有着250年历史的德国辉柏嘉品牌看到范娅萍的作品都惊讶于从没有艺术家把产品用到如此极致。
在作品中,艺术家更满足了每个女孩对自己童年的渴望,让现实生活不可实现的梦想在娃娃身上完成角色的扮演,纯洁的,性感的,乖巧的,叛逆的,梦幻的,忧郁的……艺术家更赋予每个娃娃以生命,她们都拥有自己的名字,有自己的美妙的家,有独一无二的造型服饰。每个女孩内心中都存在“玩偶情结”,它是少女成长裂变时期内心隐秘的倾诉对象;为此,范娅萍根据自己梦境,创作了如梦如幻的大型装置《梦境》、《angel》和《童话》,在威尼斯双年展上获得收藏界一直好评,观者在这些艺术空间里极大放飞了自己的心灵,让每一位拥有者可以实现梦想的自我。

范娅萍绘画作品:

生命
范娅萍的“生命”系列作品是她从女孩到母亲的自身角色转换中爆发出来的灵感之作,既是一个自然生命的孕育过程,更
作品涅槃
作品涅槃 (7张)
是一次对生命奇迹进行的赞礼。她敏感的艺术神经不断去捕捉把握生命中最感动的每一个瞬间,通过油画、雕塑、水墨等多种形式完成了对生命的礼赞。
当下(老男孩)
“老男孩”系列,生动刻画了现代男人的精神成长,多幅作品均以自己的先生为创作原形,反映当下社会的亲情、友情、爱情以及大都市带给人的孤独彷徨。柔和了东西艺术的智慧,从中国传统文化的书法壁画等中汲取创作灵感以及表达方式,创造属于自己独特的东方水墨韵味的油画技法,通过油画、雕塑和水墨等各种表达形式样来完美诠释作品。
信仰
范娅萍的母亲修佛,自幼对宗教信仰的都很有很深的感悟,“佛光”和”圣灵”系列作品就是在她常年对宗教哲学科学的思
作品童年
作品童年 (8张)
考中诞生的。作品在抽象和具象之间找到一种力量,通过对东西方艺术哲学和神学的比较和学习,艺术家在东西方的神性中找到共性和个性,通过作品唤起人们对信仰的思考。
生死爱
逝者如斯
出生在艺术和教育世家的范娅萍自幼爱好广泛,中学时代在老师影响下涉猎东西方文学、哲学、古典音乐等,具有了极高的鉴赏力和修养,为后来的发展奠定了坚实的基础。从十几岁范娅萍便开始了背包各地写生游历,因受到中国传统绘画和文学的影响,早期的范娅萍钟情
作品梦境
作品梦境 (8张)
于对表达人性和自然的创作,她的作品既有学院的扎实功底,又有着自由的灵气和磅礴的气势,这是她通过冥想,对宇宙生命以及人类未来思考的艺术的呈现。
ARTANGELDOLL
Artangeldoll是艺术家范娅萍基于童年梦想历时十年而创作的具有东方美的娃娃,每个女孩内心中都存在“玩偶情结”,它是少女成长裂变时期内心隐秘的倾诉对象。每一个不同的妆容和造型都产生角色的变化,满足着日常人们所不能实现的人生角色梦想。关节如同真人般活动自如,是娃娃中的艺术精品,艺术家把不可触摸的成长过程用具象的作品呈
Artangel Doll
Artangel Doll (38张)
现出来。其中双关节的技术获得2011年中国国家专利。
梦境
在艺术家精心打造的黑色空间里,油画和娃娃在镜子折射下,呈现一个迷离的梦幻空间,观者在展览中穿行,和展览开幕时候艺术行为互动,展现艺术家对于架上绘画和空间打造以及艺术行为的惊人创造力和表现力。
放大
此次展览由油画、装置和娃娃三个部分组成,意大利的威尼斯莫拉宫殿的展出既具有当代性又有东西方古典韵味,其中装置一百个娃娃展示人在现实生活中的千面百态,带给人对于现实思考的空间。
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